Ranking de cine 2009

Mejores y peores películas vistas el 2009
Por Joan Pau Inarejos

las mejores

1 La clase

Nota: 8,5 Ni fábulas, ni sentimentalismos, ni heroísmo entre pupitres. Lo que nos brindan aquí es puro realismo, se diría que un instituto de secundaria filmado en directo... LEER MÁS



2 RAF: Facción del Ejército Rojo

Nota: 8,5  Contundente, suculento y riguroso retrato del terrorismo de extrema izquierda en la Alemania de los 70, con los jóvenes rojos europeos paseándose en cueros ante los atónitos uniformes de sus colegas árabes... LEER MÁS

3 Despedidas (Okuribito)

  Nota: 8,5  La historia sobre un joven amortajador deviene un elegante y bellísimo relato sobre el autoconocimiento. Con mano de santo, sin que se noten las costuras, Yôjirô Takita hace que cada despedida sea personal y entrañable... LEER MÁS

4 Tres dies amb la família

Nota: 8  Tres días es lo que dura este silencioso y magistral descendimiento a la telaraña de miserias y desamores de una familia. La jovencísima Mar Coll nos susurra sobre muchas cosas con un realismo rotundo y una prodigiosa sensibilidad... LEER MÁS

5 Celda 211

Nota: 8 El gallego Luis Tosar interpreta aquí a un inolvidable cabecilla carcelario, que se adueña del motín con su rostro empalidecido y su tremenda voz áspera. Malamadre exhibe genuina negrura y una veraz y conmovedora ética de pirata... LEER MÁS

6 Vacaciones de Ferragosto

Nota: 8  Desde el primer minuto, esta película se difruta como un fresco realista y maravillosamente tierno sobre todo aquello que hacen, sienten y hablan las abuelas cada vez que son aparcadas por sus respectivas familias... LEER MÁS

7 Déjame entrar

Nota: 8  Historia sobre una vampira púber felizmente nada prototípica: ni es pelirroja, ni es fatal, ni es atractiva, ni es malvada. Es una simple adolescente de ojos tristes que consigue conmover en su soledad hambrienta e inconsolable... LEER MÁS

8 Malditos bastardos

Nota: 8 Quentin Tarantino monta un circo brutal y libérrimo a propósito de la II Guerra Mundial. Los años 40 se tiñen de pop negro, con un general nazi que merece un urgente monumento en el museo de los villanos extravagantes... LEER MÁS

9 El imaginario del dr. Parnassus
Nota: 8  A saber qué combinado de anfetaminas se habrá cascado Terry Gilliam, porque sólo un cargado cóctel estupefaciente podría explicar la visión elefantiásica, surrealista, ultra-barroca y jocosa que lucen los mundos de Parnassus... LEER MÁS

10 District 9
Nota: 8 Por una vez, los seres venidos del más allá no son terribles Aliens ni amables ETs, sino simples criaturas salvajes, Otros radicales e indomables, a los que convendrá encerrar y asesinar en masa, en una deslumbrante metáfora del racismo... LEER MÁS

los fiascos

1 Mapa de los sonidos de Tokio
Nota: 3  Cartografía de las fantasías pijas sobre Japón, encerradas en un submundo bellísimo, muy buen filmado y editado, para el puro consumo de urbanitas conectados al Ipod. Un catálogo Viajar con ínfulas de tragedia amorosa... LEER MÁS

2 Siete almas

Nota: 4 ¿Lo habrán disecado? ¿Será una ingesta de valium? El caso es que Will Smith deambula exangüe por 123 minutos de auténtico artificio lacrimógeno, que ni consigue su objetivo ni aporta nada nuevo al género de la ciencia-emoción... LEER MÁS

3 Enemigos públicos 
Nota: 4  El Hollywood dorado reincide con su presunta fórmula de éxito: maestría en las formas de narrar, pero absoluto encefalograma plano en la historia y la escala de valores, con un Johnny Depp que sencillamente no cuela como malo romántico... LEER MÁS

4 The reader

Nota: 4 Un nuevo artificio cinematográfico totalmente carente de alma, para mayor gloria de sus pálidas estrellas (Kate Winslet y Ralph Fiennes: ¡uy que chute!)... LEER MÁS

5 Slumdog Millionaire
Nota: 5  Lagarto, lagarto. El oscarizado Danny Boyle empieza con atisbos de denuncia social y termina vendiéndonos las batukas y los bailoteos de la India. Un tramposo Aladdin de autor... LEER MÁS

6 El curioso caso de Benjamin Button

Nota: 5  El curioso (e indignante) caso de una película donde, con una premisa narrativa tan seductora -vivir al revés- y con un diseño de producción tan cuidado, la historia es incapaz de transmitir la más mínima emoción... LEER MÁS

'Los ojos de Julia': el misterio del guión invisible

ATENCIÓN: La crítica contiene algún pequeño detalle de la trama

LA PELÍCULA EN LA MEJOR WEB DE CINE: LA BUTACA
por JOAN PAU INAREJOS 

Nota: 4 

Una pregunta inocente: ¿de qué va 'Los ojos de Julia'? Si hay alguien que la haya visto y consigue darnos una respuesta fehaciente, será recibida con entusiasmo, porque uno se lleva la impresión de que el director, Guillem Morales, ha querido calzar todos los cromos posibles del terror en un álbum que se revela incomprensible y sin alma.

Belén Rueda, convertida por méritos propios en la nueva diva del terror hispánico, es la única que salva los muebles de lo que empieza como un estimable thriller psicológico sobre la ceguera (dos hermanas gemelas contraen una extraña degeneración de la visión) para convertirse a ratos en una extraña función demoníaca (esa satanización de las  mujeres ciegas, con ojos verdes y resplandecientes, es tan efectista y gratuita que produce carcajadas), y a ratos en un festival gore (con bañeras electrificadas, cuchillos y carnicerías varias) para derivar a la postre en un relato previsible de psycho-killer con ecos de Hitchcock y su tan maternalmente incorrecta 'Psicosis'. Mucho celuloide pasado por el túrmix, vaya.

No sé si he dicho ya que el guión de 'Los ojos de Julia' resulta tremendamente deslavazado, lejos de esa simplicidad absorbente que cabe exigir al género (como ocurría en parte con su precursora comercial, 'El orfanato'), y además en este caso llegando a extremos bochornosos, como la desaparición absurda del personaje interpretado por Lluís Homar (un papel que debería olvidar por autoestima actoral) o el terrible destino de cierto anciano tenebroso que simplemente pasaba por allí para hacer la historia más barroca y (presuntamente) enigmática.

A la película no le faltan sus aislados golpes de ingenio (cuando nos oculta malévolamente el rostro del verdugo, o cuando nos muestra una persecución asesina a la luz sincopada de una cámara fotográfica), ni tampoco sus pequeños prodigios visuales (sensacional esa joven apuñalada contra la pared y retirada como una muñeca de trapo: un auténtico manjar para los sibaritas del gore), pero cuán sabio es el refranero castellano cuando constata que quien mucho abarca, poco aprieta.

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'Pa negre': posguerra con 'teatritis'

ATENCIÓN: La crítica contiene algún pequeño detalle de la trama

LA PELÍCULA EN LA MEJOR WEB DE CINE: LA BUTACA
por JOAN PAU INAREJOS 

Nota: 6,5 

Hay películas que valen la pena por la brillantez de su prólogo, aunque después traicionen las soberbias expectativas allí prometidas. Es el caso de 'Pa negre', de Agustí Villaronga, la adaptación de la novela homónima de Emili Teixidor que arranca con 5 minutos mudos y formidables, que muestran con toda su crudeza la violencia terrosa y despiadada de la Guerra Civil española y su terrible resaca en lugares como la Catalunya rural.

La cinta posee una potencia visual fuera de toda duda: desde el plano de un carruaje despeñándose y el rostro desencajado de un niño moribundo hasta el retrato de un hogar mísero y un campo pese a todo plagado de luz y lirismo, toda la historia se beneficia de una atmósfera detallista y francamente cuidada, donde no falta ni sobra nada. 

A ello hay que añadirle una pareja púber en estado de gracia: Francesc Colomer encarna perfectamente la inocencia e incluso cierta bondad primigenia asociada a la infancia (que hoy hemos olvidado ante la generación de niños hiperinformados y vacilones) mientras Marina Comas borda de igual forma su papel de catalizadora rebelde y resabiada, removiendo las aguas de este mundo candoroso con terribles heridas: la mano mutilada convertida en juguete y una sexualidad tristemente precoz, por culpa de unos adultos sin escrúpulos.

Descollante en los apartados visual, simbólico e interpretativo, sin embargo 'Pa negre' naufraga en su propósito de fresco realista, cayendo en la tentación del exceso de diálogos y la teatralización de la pobreza. La historia del padre mártir y de la familia humilde perseguida por un poder anónimo y sanguinario no consigue romper los moldes del estereotipo, y remite a demasiados quilómetros de celuloide de la ficción catalana y española moderna. Lo que Villaronga consigue con su bella fotografía, llena de sosiego y de matices, no lo logra con el guión, absorbido en su tramo final por un tubo de escape maniqueísta y emocionalmente tramposo.

Es una lástima, pero la verborrea acaba haciendo que aborrezcamos lo que podía haber sido una buena película, y obliga a evocar aquel proverbio árabe que los directores  deberían grabarse en sus mesas de montaje: "Si lo que vas a decir no es más bello que el silencio, mejor cállate".


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Primer plano = decapitación

 
CARLOS LOSILLA

 "Algunas tribus sentían pánico ante un primer plano: para ellos, era una mutilación"

La peliculita consistía en un único plano fijo: un andén que cruzaba la pantalla en diagonal, y por el que aparecía, al fondo del encuadre, un tren que se iba aproximando (...). Naturalmente, los espectadores, aún muy poco acostumbrados a las reglas del recién nacido cinematógrafo, experimentaban la viva impresión de que la locomotora podía abalanzarse sobre ellos en cualquier momento, por lo que muchos abandonaban la sala precipitadamente.

He aquí, pues, un tipo de error producido, no por las formas concretas que aparecen en la pantalla -nadie podía tener miedo de una locomotora en 1895-, sino por las propiedades intrínsecas del medio en cuestión, por la inteligente utilización de la profundidad de campo, que provocaba un suspense genuino, sin precedentes en el resto de las artes figurativas.

De la misma maera, la propia sintaxis cinematográfica, sobre todo a partir de Griffith, plantea enigmas irresolubles en lo referente al terror provocado en ciertos espectadores. Se dice que los integrantes de algunas tribus africanas con formas de vida aún primitivas sentían un pánico irrefrenable al contemplar un primer plano de una cabeza o de cualquier otro miembro del cuerpo humano: para ellos, se trataba de una verdadera mutilación, o, en el peor de los casos, de un acontecimiento sobrenatural. El primer plano en sí mismo supone algo así como una apoteosis del despedazamiento, que sólo podemos asimilar gracias a nuestra espontánea comprensión de las reglas técnicas y narrativas del llamado cinematógrafo.

CARLOS LOSILLA, 'EL CINE DE TERROR. UNA INTRODUCCIÓN ' (1993) / foto: detalle de la Decapitació de Sant Cugat, de Aine Bru

'Abierto hasta el amanecer' (1996): cóctel con sabor a tequila

ATENCIÓN: La crítica contiene detalles del argumento

FICHA DE LA PELÍCULA EN FILM AFFINITY
por JOAN PAU INAREJOS 

Nota: 7,5 

Mucho antes de anunciar cafés y convertirse en un canoso galán otoñal, George Clooney fue un canalla tatuado en una sabrosa parodia de vampiros de motel que muchos recuerdan con una sonrisa en los labios. 'Abierto hasta el amanecer' ('From dusk till dawn') permitió a Nespressoman ejercer como vaquero de un western negro e irreverente, donde dos hermanos criminales recalan en un local de carretera del México fronterizo tomando como rehén a un humilde viudo y ex pastor protestante (fantástico Harvey Keitel) junto a sus dos hijos adolescentes.

Felizmente incorrecto, gozosamente sádico, el director Robert Rodríguez nos pega unos cuantos puñetazos en el ojo, desde el brutal destino de una entrañable señora secuestrada por los matones (escena brillante y subliminal en una cama, con planos ultracortos parpadeando como flashes) hasta la mano reiteradamente agujereada de un sufrido Quentin Tarantino (actor y guionista) que provoca risas y escalofríos con su ademán de demente sexual, bordando su papel de hermano tonto y perdedor.

Pero lo mejor de la película es sin duda la montaña rusa de géneros: lo que empieza como una comedia negra de carretera -esos criminales jocosos invadiendo la caravana de la pobre familia cristiana- de repente toma los perfiles de un cómic de terror, con una legión de bailarinas en topless que se convierte en una jauría de vampiros al acecho, sin ahorrar saltos demoníacos, mordiscos a diestro y siniestro ni hectolitros de sangre salpicando la pantalla. La galería hilarante se completa con un un puñado de antihéroes tabernarios de tres al cuarto, como un ex veterano de Vietnam con verborrea o un bebedor mostachudo que tiene un revólver en la entrepierna ("Me llamo Sex Machine").

Muchos moteles de carretera han sido terroríficos en el cine y la música (a los Eagles y su Hotel California me remito), pero, sin duda, ninguno como La Teta Enroscada ha sido tan sanguinariamente cachondo.


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Liberté, egalité, pero sobre todo sécurité

ZYGMUNT BAUMAN

 El nuevo lema: "asegurémonos de que nadie nos quita lo que ya hemos conseguido, más que preocuparnos por conseguir más"

Hasta la reciente crisis el mundo se construía sobre el "disfrute ahora y pague más tarde". La felicidad estabacasi totalmente basada en una mayor libertad: más opciones, más cambios, más deseos y más emoción, experiencias no probadas y sensaciones deliciosas. Todos los demás problemas se resolverían solos. 

Pero actualmente nuestro mundo padece claustrofobia, cada vez más repleto de competidores. La protección de lo que ya tenemos está a la orden del día, más que la persecución de lo que todavía no tenemos. La seguridad se está desplazando, despacio aunque de manera constante, hacia el lugar que hasta hace poco ocupaba la libertad: "Asegurémenos de que nadie nos quita lo que ya hemos conseguido, más que preocuparnos de conseguir más" se convierte en el lema del día. 

La "seguridad" se eleva a valor supremo. Los Gobiernos buscan legitimar su poder a través de la demostración de su dureza con la criminalidad, la inmigración o el terrorismo.

ZYGMUNT BAUMAN (sociólogo), entrevistado en 'EL CULTURAL' de 'EL MUNDO', 22-28 octubre 2010